Suite à une coupe budgétaire importante votée en conseil municipal de la ville de Lyon, La Salle de bains a dû mettre en pause son programme d’expositions jusqu’à la rentrée prochaine. Elle profite de ce temps pour se repenser et se consacrer à des travaux de fond, continuer d’écrire son histoire et envisager son avenir.

Pendant ce temps, elle invite des personnalités impliquées à différents titres dans les arts visuels à discuter publiquement du contexte artistique et politique qui fragilise de plus en plus les structures associatives subventionnées.

À quoi servent ces lieux de production et de diffusion de l’art ?

Quels modèles pour leur avenir?

Quelle place dans le paysage culturel et social ?

Ces questions seront discutées publiquement lors de trois soirées « comment ça va ? » les jeudis 15, 22 et 29 juin 2023.

Pour la première conversation le 15 juin 2023, on s’est demandé « comment ça va ? » en compagnie de :
Akim Pasquet, commissaire, artiste, enseignant, co-fondateur et directeur des Limbes et co-fondateur de la biennale Carbone, Saint-Étienne,
Katia Porro, curatrice et critique d’art, directrice d’In Extenso et de la Belle revue, Clermont-Ferrand,
Bruno Silva, artiste, synapse de Artistes en Résidence et hôte de Home AlonE, Clermont-Ferrand,
Idoine, projet artistique composé en collectif et tourné notamment vers l’édition, à l’occasion de la parution de CARBONE 20 Biennale d’artist-run-spaces et artist-run initiatives, Saint-Étienne, Idoine, 2023.

Pour la deuxième conversation, le 22 juin 2023, on s’est de nouveau demandé « comment ça va ? » avec :
Delphine Coindet, artiste et membre de CIRCUIT, centre d’art contemporain à Lausanne,
Anne Langlois, co-directrice et commissaire des expositions à 40m3, centre d’art contemporain à Rennes.

Pour la dernière conversation, le 29 juin, on s’est redemandé des nouvelles accompagné·e de :
Franck Balland, critique d’art, commissaire d’exposition, responsable du développement culturel à la Fondation Pernod Ricard, Paris,
Nadine Droste, commissaire d’exposition, directrice du Kunstverein Bielefeld,
Nick Oberthaler, artiste, membre du bureau de la Secession Vienne et enseignant à l’Ensba Lyon,
Nicolas Raufaste, artiste et membre du bureau du CAN Centre d’art Neuchâtel.

Pendant cette période, La Salle de bains est restée ouverte au public en offrant un espace de consultation de ses archives, publications, ainsi qu’une petite librairie.

Du 23 avril au 18 juin 2023

Le titre de l’exposition personnelle de Mathis Altmann dans la monumentale Salle Poma lui a été inspiré par l’image d’un écusson anarchiste circulant sur internet. Le A cerclé y est souligné du mot «INDIVIDUALITY» en lettres capitales dans ce qui apparaît comme une revendication sincère autant que l’emblème tragicomique (et peut-être fait main) de l’état de confusion idéologique laissé par l’absorption des marges dans le modèle ultra-libéral. Mathis Altmann est un fin observateur de ces symptômes dans différents aspects de la culture contemporaine. Il leur porte un regard critique mais aussi amusé, et même tendre, quand ils expriment encore une fidélité aux mouvements de la contre-culture par-delà leurs multiples réappropriations commerciales ou qu’ils traduisent les aspirations de sa génération à des expériences intenses via des abus de langage, qualifiant toute chose désirable de «hard» et de «core». L’emprunt de ce logo antithétique dans une des œuvres de l’exposition et sa reprise sur l’affiche produite en parallèle de la communication officielle du centre d’art pourrait signer, là aussi, l’affirmation d’une volonté d’indépendance tout en admettant le caractère accessoire de son geste, ce qui revient à une formule poétique plutôt efficace (si vous la cherchez, elle est disponible à l’accueil).

L’artiste qui a grandi dans les années 2000 a pris acte de la neutralisation du potentiel subversif de l’underground et de l’art par le capitalisme ayant transformé en valeurs compétitives les instruments de libération qu’étaient l’autogestion, la créativité ou la réalisation de soi (de son «individualité»). Comment envisager, dès lors, l’élaboration d’une esthétique capable de contrer l’esthétisation de l’économie post- industrielle, d’assumer une fonction critique qui ne soit déjà cannibalisée? La question n’est pas directement posée dans le travail de Mathis Altmann, bien qu’il semble proposer différentes options dans lesquelles il s’engage avec force et même une certaine exagération – où l’on présumera une distance ironique. Est exclue, en revanche, la stratégie de l’improductivité réclamée périodiquement dans l’art en s’en remettant quasi-religieusement à des figures révolutionnaires tel Guy Debord, qui commit en 1953, à Paris, son célèbre graffiti «NE TRAVAILLEZ JAMAIS», ou à des postures d’oisiveté radicale comme celle qu’incarne le personnage joué par Daniel Pommereulle dans La Collectionneuse d’Éric Rohmer (1967), s’appliquant à la tâche difficile de ne rien faire. En contre-point, Altmann s’intéresse au syndrome d’hyperactivité professionnelle – et son aggravation dans notre époque post-pandémie. Elle touche une génération d’actif·ve·s – y compris de travailleur·euse·s de l’art – converti·e·s à la méritocratie et complices de leur aliénation par un métier qu’il·elle·s ont eux·elles-même créé. L’artiste relie ce phénomène au pharmakon, symbole ambivalent qui désigne à la fois le poison et le remède, à l’heure où la source du problème prodigue aussi les solutions, si l’on pense aux opérations managériales de «bien-être au travail». Aussi la croix de pharmacie suspendue la tête en bas au centre de la Salle Poma, tel un corps supplicié et malade, diffuse-t-elle une sorte de sermon en images animées sur le thème de la dévotion au travail. Il aurait pu être généré par une intelligence artificielle nourrie par un flux LinkedIn de cadres supérieurs et hacké par un groupe sataniste, mais il n’en est rien. Tous les énoncés qui interviennent dans le travail de Mathis Altmann sont puisés dans le flux des discours médiatiques et publicitaires parmi ceux employés à créer de nouveaux besoins chez les consommateur·ice·s ou encore à promouvoir des campagnes de rénovations urbaines assorties à de nouveaux life-styles. C’est l’une des voies critiques empruntées par l’œuvre d’Altmann, soit la réappropriation de motifs préalablement appropriés par le capital (ce qui peut être un jeu sans fin). Ainsi de sa série de sculptures lumineuses qui procèdent au détournement de l’enseigne d’une multinationale leader sur le marché des «solutions d’espaces de travail flexible» dont la marque convoque l’imaginaire des organisations communautaires dans une déclaration sibylline: «we work». On la retrouve au sommet d’immeubles de bureaux vitrés qui prolifèrent avec des équipements de sport et de loisirs culturels à destination des classes supérieures et à la place des friches industrielles qui étaient jusqu’alors d’autres types d’espaces de liberté.

C’est à l’accélération vertigineuse de ce genre de transformation urbaine qu’assiste Mathis Altmann depuis quelques années à Berlin où il a un atelier. À partir de là, l’agencement des œuvres dans la Salle Poma peut nous apparaître comme une schématisation de l’évolution de la ville, dans une version qui confine volontairement à l’attraction foraine. Notons aussi la manière dont elles se jouent des dimensions spectaculaires du white cube – une nouvelle fois plongé dans l’obscurité – par la miniaturisation ou l’allongement outrancier d’un dispositif d’accroche. Il convient ici de rappeler que ces pièces ont été initialement montrées à La Salle de bains à Lyon, un petit lieu d’art associatif – donc précaire, dans une ville où l’immobilier est lui aussi sous tension, dans un pays où les travailleur·eus·e·s descendent chaque semaine dans la rue…Mais revenons à la Salle Poma: tandis qu’au centre, la croix tourne sur elle-même en offrant le spectacle hypnotique d’une névrose collective bientôt érigée en système productif, à la périphérie, les sculptures sonores qui pourraient évoquer un ensemble de maquettes d’usines désaffectées tantôt converties en night clubs, forment un manège ou une machine en rodage. Ses œuvres procèdent par assemblage – une autre stratégie critique qui compte un fort héritage dans l’histoire de l’art – dont la ville fournit le matériau au sens propre, en rejetant dans la rue un flot de débris au rythme de la gentrification systématique de ses quartiers. Elles sont augmentées par un appareillage de technologies récentes qui les met sous tension. L’œuvre procède d’un mouvement organique et cyclique (propre au remix) qui va dans le sens inverse de l’expansion de la «ville générique» décrite par Rem Koolhaas comme un principe «amnésique», consistant à remplacer tout ce qui ne répond plus aux nécessités et aux goûts présents. C’est le refoulé rugueux et ardent de ce réel uniformisé que nous livre l’œuvre de Mathis Altmann.

Julie Portier

A la suite de l’exposition de Mathis Altmann en trois salles à la Salle de bains, le Centre d’art Pasquart a invité la Salle de bains à rejouer le projet de Lyon dans la plus grande salle de l’institution consacrée aux expositions temporaires. En parallèle, Pasquart accueillait la première rétrospective de l’artiste français Daniel Pommereule (1937-2003) organisée par Armance Léger.

Jeudi 11 mai 2023, de 20h à 22h.

Une proposition de Liza Maignan, commissaire invitée par La Salle de bains.

Ravie de cette expérience nécessaire à la compréhension de moi-même, je lui raconte à mon rendez-vous suivant, mes aventures mentales vertigineuses. Elle ne dit rien et me demande si je suis en mesure d’identifier les mêmes phénomènes, dans d’autres contextes antérieurs. Je réfléchis et me souviens des années où je faisais de la flûte traversière à l’école de musique. J’ai 7 ans, je suis droite comme un piquet, mon pupitre et mes partitions déployées sur scène, les lumières chaudes sont braquées sur mon corps tremblant de petite fille, prête à être jugée. Je positionne ma flûte sous mes lèvres, en levant avec timidité mes deux bras sur le côté droit, positionnant les doigts pour boucher les petits trous de chaque clapet. Respiration. Mon souffle se lance. J’évacue la fumée noire en clef de sol. Je ne me souviens pas de ce qu’il s’est passé ensuite, en sortant de scène. Mais je me souviens de la sensation d’avant, une sensation de bascule entre l’échec et la réussite, entre un désir d’envol et le paradoxe du vertige. J’avais le trac. J’avais juste le trac de la scéne, et maintenant le putain de trac de ma propre vie.

Liza Maignan

La performance Double XS L’Oracle est le premier temps de sa proposition en trois salles « Les assistantes du vide » .
Ce projet se poursuivra à l’automne 2023 à la Salle de bains.

Double XS l’Oracle
Compagnie de performance Ethics Angels
Flora Bouteille, metteuse en scène et plasticienne
Victor Villafagne, compositeur et réalisateur
Aurore Serra, comédienne
Léo Castel, plasticien
Konstantinos Kyriakopoulos, plasticien

Cette représentation est produite par la Salle de bains à l’issue d’une résidence permise par le La Voir Au Public, partenaire de ce projet.

7 avril – 6 mai 2023

Salle 3

Dans la salle précédente, une croix de pharmacie suspendue la tête en bas diffusait sur son écran led une sorte de sermon en images animées sur le thème de la dévotion au travail. À la fois hypnotique et ambigüe, elle aurait pu être générée par une intelligence artificielle nourrie par un flux linkedin de cadres supérieurs ou le forum d’une potentielle branche sataniste du stakhanovisme… Le texte de l’exposition mentionnait l’intérêt de l’artiste pour le pharmakon (qui désigne à la fois le poison et le remède) comme symbole de notre relation au travail sous le règne du capitalisme, laquelle s’est aggravée avec l’hyperactivité qui caractérise la phase post-covid en dépit de toutes bonnes résolutions, pour ressembler à une névrose collective.

Il était aussi question d’un autre type d’enseignes lumineuses qui prolifèrent dans le paysage urbain et que Mathis Altmann détourne, à savoir celles de la multinationale WeWork, leader dans la vente de solutions d’espaces de travail. L’une de ses dirigeantes se félicitait récemment dans le magazine « Happy Boulot » sur BFMTV d’avoir contribué, main dans la main avec certaines mairies d’arrondissement de Paris, au « retour au bureau » des citoyen.nes grâce à son offre de flexibilité.

Le choix d’exposer une œuvre de cette série parmi d’autres travaux plus anciens de Mathis Altmann pour le dernier volet de son exposition à La Salle de bains n’est pas étranger au contexte politique français. Mais cette version fleurie d’une revendication de grève peut se lire autrement que l’annonce enthousiaste de l’arrivée prochaine du « joli mois de mai », tant elle se présente à nous un jour de grève sans espoir. Elle renverrait plutôt au caractère folklorique auquel un gouvernement qui n’écoute plus la rue condamne toute protestation syndicale. Les travailleur.euses n’auront qu’à accepter leur sort avec l’aide d’un programme de bien-être imaginé dans le cadre d’un nouveau management : « inspirez/expirez » dit le sous-titre de l’œuvre.

L’énoncé pourrait aussi manifester l’humeur de l’équipe de La Salle de bains dont la ville de Lyon vient de couper plus de la moitié de la subvention. C’est un autre élément du contexte. Mais là encore, il rejoint une situation plus large où l’on observe le devenir décoratif de tout positionnement éthique ou politique dans l’art et ailleurs.

Cela sied même à la décoration d’intérieur, si de cette proclamation d’un refus de travailler l’on apprécie le côté cosy à l’aune d’un portrait de Gandhi dans un appartement loué sur airbnb. Mathis Altmann porte une attention particulière aux signes vidés de leur sens et autres symptômes d’amnésie culturelle propre à la médiocrité haut de gamme de certains intérieurs contemporains standardisés, parfois médiatisés pour prouver sa réussite sociale au prix d’un jeu voyeur.

C’est au regard de ces formes d’esthétisation du domestique que sont apparues chez Altmann ces sculptures évoquant des intérieurs poisseux, macabres, confits d’ordures ou de merde, parfois faites à partir de maisons de poupées. Elles sont associées ici à une sculpture plus récente faite à partir d’un sac à main en simili cuir de serpent orné d’un signe peace & love en strass dans lequel manifeste une figurine à l’air pathétique. Habités par une présence morbide ou désespérée, ces espaces vides ou pleins qui invitent à regarder à l’intérieur pourrait être vus comme des allégories de l’inconscient des
travailleur.euses et des consommateur.rices atteint.es de frénésie ordinaire.

liste d’œuvres :

Untitled, 2019
techniques mixtes
30 x 24 x 22 cm

Water ! Good God ! Filth !, 2017
bois, mousse, plastique, cheveux humains, peinture pour sol de garage, métal, lumière cathodique froide
68,58 x 35,56 x 30,48 cm

YesVacancy, 2016
bois, coton, verre, mouches
80 x 40,5 x 28,5 cm

wewontwork, 2021
enseigne lumineuse LED, peinture acrylique
268 x 50 x 27 cm

8 mars – 1 avril 2023

Salle 2

En parallèle d’une pratique de la sculpture par assemblage, Mathis Altmann développe depuis quelques années une série d’enseignes lumineuses qui procèdent par détournement. Il a ainsi repris la signalétique de l’une des firmes internationales qui domine le marché des « solutions d’espaces de travail flexible » en y insérant diverses négations : wedontwork, wewontwork, weneverwork. Ces énoncés en leds sapent l’imaginaire communautaire sur lequel repose la publicité de la célèbre marque dont les immeubles de bureau prolifèrent à la place des friches industrielles à Berlin et dans plusieurs métropoles européennes. Mais l’épuisement du slogan met aussi en doute la possibilité d’un élan contestataire de la part d’une génération d’actif.ve.s – y compris de travailleur.euse.s de l’art – converti.e.s à la méritocratie ou complices de leur aliénation par une (sur)activité professionnelle qu’il.elle.s ont eux.elles-même créée. Cela ne les empêche pas d’invoquer encore dans des discours engagés – sur l’art, par exemple – de vieux motifs d’insoumission au système productif tel l’abstentionnisme du Bartleby d’Herman Melville ou l’esprit révolutionnaire de Guy Debord dont le célèbre graffiti « NE TRAVAILLEZ JAMAIS », apparu dans les rues de Paris en 1953, annonçait le développement d’un arsenal théorique pour une critique radicale des conditions d’existence sous le règne du capitalisme avancé.

La croix lumineuse verte est de ces signes visuels inscrits dans la rétine du consommateur universel ; elle relève presque d’un langage inné. L’apercevoir dans la nuit ou dans une zone rurale est tantôt une promesse de salut (pour certain.e.s hypocondriaques) ou celle de trouver la présence du monde civilisé (pour certain.es citadin.es en vacances). Les sculptures lumineuses réalisées à partir de croix de pharmacie de Mathis Altmann exagèrent le pouvoir magnétique de l’objet détourné dans une expérience qui confine à la séance d’hypnose collective. Le soir du vernissage, s’est naturellement formé autour du dispositif une communauté de spectateur.ice.s disposé.e.s, comme tout être domestique au XXIe siècle, à laisser son cerveau émettre des ondes alpha devant une animation lumineuse, même pixelisée. Cette soudaine vision primitive se voit renforcée par le caractère rustre de cette barre de métal rotative qui suspend cette croix la tête en bas dans une lointaine évocation de quelque supplice médiéval ou cérémonie sataniste. Le capot customisé par une peinture digne d’une attraction foraine en fait un corps malade, couvert de pustule et de varicosité.

Certes, ne devriez-vous pas être en train de travailler ?

Il n’était pas tout à fait prévu que la présentation de cette œuvre de Mathis Altmann à la Salle de bains coïncide avec le mouvement social en France. L’artiste analyse depuis longtemps le rapport  « pharmacologique » que nous entretenons au travail dans la société contemporaine : quand le remède est aussi le poison et que la source du problème et des solutions apportées est la même (l’on pense entre autres aux opérations managériales de « bien-être au travail »). Considéré comme un travail en cours, l’animation est un montage de textes et d’images trouvés sur internet, comme souvent chez Altmann, elles tentent d’encadrer l’esprit du capitalisme à l’ère de l’hyperactivité.

*

Along with his sculpture work based on assemblage, for several years now Mathis Altmann has been developing a series of illuminated signs that work by reappropriation. He has borrowed the signage of one of the international companies that dominate the market for «flexible workspace solutions» by inserting negations in them, viz., wedontwork, wewontwork, weneverwork. Written out in LEDs, these statements undermine the shared imagery backing advertising for the famous brand whose office buildings seem to proliferate in industrial wastelands around Berlin and several other European cities. Yet the exhaustion wafting through the slogan also calls into question the possibility of the urge to protest and fight for change by a generation of activists – including art workers – won over to the idea of meritocracy or complicit in their own alienation through a professional (over)activity that they themselves have produced.
This doesn’t stop them from invoking activist statements, touching on art, for example, old motifs about not giving into the system of production like the refusal posed by Herman Melville’s Bartleby, or the revolutionary spirit of Guy Debord, whose famous «NEVER WORK» graffiti appeared in the streets of Paris in 1953, announcing the development of a theoretical arsenal for a radical critique of existential conditions in the reign of advanced capitalism.

The lighted green cross is one of those visual signs that are burned into the retina of the everyman consumer; it almost partakes of an innate language. To spot it at night or in a rural zone is tantamount to laying eyes on a promise of salvation (for certain hypochondriacs) or stumbling on civilization (for certain city-dwellers on vacation). Altmann’s light sculptures fashioned from the pharmacy cross exaggerate the magnetic power of the reappropriated object in an experience that verges on an instance of group hypnosis. On the evening of the show opening, a group naturally formed around the piece, a community of viewers who were willing, like any domestic being in the 21st century, to let their brains emit alpha waves in front of a glowing animation, even one that is pixelated. This sudden primitive vision is reinforced by the unrefined character of that rotating metal bar that is holding the cross with its «head» pointing down in a distant suggestion of some medieval torment or Satanic ceremony. The automobile hood that has been customized with a painting worthy of a fairground sideshow makes it into a sick body covered with pimples and swollen veinlike ridges.

Of course, you should be working, right?

It wasn’t quite overtly planned that the Salle de bains’s display of this piece by Altmann should coincide with the social unrest taking place in France right now. The artist has long been analyzing our «pharmacological» relationship to work in contemporary society, i.e. when the remedy is also a poison and the source of both the problem and the proposed solutions is one and the same (we are reminded of several things, including those managerial taskforce operations for «workplace well-being»).
Seen as a work in progress, the animated piece is a montage of text and images found on the internet, and as is often the case in Altmann’s work, these images attempt to frame the spirit of capitalism in the age of hyperactivity.

Biography:

Mathis Altmann (1987) lives and works between Berlin and Zurich. His work has been the subject of monographic exhibitions in Germany, at Efremidis in Berlin in 2021; in Italy, at the Swiss Institute in Milan in 2018 and in Switzerland, at the Kunstmuseum in Wintherthur in 2021 and at Truth & Consequences in Geneva in 2016.
He has also participated in numerous group exhibitions in 2021 such as Bijoux! at Fitzpatrick Gallery in Paris; Nimmersatt? Imagining Society without Growth at the Westfälischer Kunstverein in Münster; Macht! Licht! at the Kunstmuseum Wolfsburg, Germany and in 2020 as Grand Miniature in Zurich or ANNEMARIE VON MATT. JE NE M’ENNUIE JAMAIS, ON M’ENNUIE at the Centre Culturel Suisse in Paris.

He is represented by Fitzpatrick Gallery.

27 janvier – 25 février 2023

Salle 1

Liste des œuvres :

untitled 1, 2023
plastique, bois, verre, carton, LED, lampe CCFL, haut-parleur à vibration, boucle audio 1h34min
62x70x91cm

untitled 2, 2023
plastique, bois, métal, verre, carton, LED, haut-parleur à vibration, boucle audio 05min27
50x94x52cm

untitled 3, 2023
plastique, bois, métal, verre, lumière laser, haut-parleur à vibration, boucle audio 06min55
40x82x67cm

untitled 4, 2023
plastique, bois, métal, verre, carton, impression photo, écran LED, haut-parleur à vibration, boucle audio 19min56
41x62x64cm

*

It’s the kind of recipe that has been exhausted by generations of designers of posters for horror films and the covers of crime novels – equally valid, by the way, for the reprints and remakes – although we must admit it still has what it takes to hold out the promise of a pleasurable frisson. As if mass communications hadn’t only reworked the landscape but also imprinted in us a range of Pavlovian reflexes piqued by certain fonts that are among the most common and freely accessible. Written out like a piece of graffiti running with blood, the title of Mathis Altmann’s new show at La Salle de bains, Gibber, lets visitors imagine this first gallery as the initial scene of some fictional story that is sure to descend into chaos and possible carnage.

It is under this sign then that visitors, stumbling face to face on this row of assemblages all connected by electric cables, might well imagine they had pushed open the door to the lab of a renegade megalomaniac scientist, one of those that devise devious plans at the start of B movies. Indeed, the technological gadgetry grafted onto the glass covers, which lend the sculptures their look of bionic incubators, and the hubbub mixed with robotic voices convey a host of retrofuturist images.

But let’s remember above all that something is up, something is being prepared – something like an exhibition in three parts – a process is underway, that of a work of art that has been growing and branching out for a dozen years in counterpoint to the more or less predictable storyline described by the development of globalized capitalism. Mathis Altmann observes its effects on our physical environment, our day-to-day practices, the organizing of our desires according to our personal or collective aspirations, with a rare insight that is tinged with admirable humor, when recognition of the disaster is so generally admitted that it partakes of farce. His use of collage and assemblage is often compared to the inheritance of European avant-gardes for its critical effects. But it could also reference a West Coast tradition in the United States, where in the 1960s the use of scrap materials formed a reaction to the poverty that was proliferating on the margins of the free-market model, while exacerbating a climate of ideological confusion.

Moreover, after leaving Los Angeles a few years ago, Altmann settled in Berlin, whose urban changes now form the central theme of his work. The city quite literally furnishes part of the materials that go into his work by putting out on the street a stream of rubbish in keeping with the systematic gentrification of its outlying zones. These materials are reused in sculptures that may in turn be recycled in new works of art like those featured at La Salle de bains, fitted out with accessories from cutting-edge technologies which remaster them, so to speak, into sound-and-light objects. And so the work advances in a movement that is organic and cyclical (good for remixing). That movement runs counter to the expansion of the “generic city,” in which Rem Koolhaas sees the amnesiac principle at work, erasing and replacing everything that no longer corresponds to contemporary needs and tastes.

The present text is not about offering a narrative interpretation of the installation, whose hypnotic character, by this point in your reading, you have surely felt. And those snatches of speech, the abstruse patter put out by the sculpture situated opposite the mirror and accompanied by that muffled beat at the entrance, a beat that is striking a sensitive chord conjuring up a techno club located in an abandoned warehouse? We should make clear that those bits of discourse have been gleaned from the advertising Newspeak surrounding the major urban renewal projects in Berlin. These clichéd phrases lend the show its title, a diminutive of “gibberish.” Thus, what is presented as both a set of scale models and some machine that is being broken in could deliver another version of the same dream (or nightmare). In other words, the rough ardent repressed side of renewal projects that collectively foresee the construction of glass-paneled buildings dedicated to coworking on the fringes of industrial wastelands converted into leisure and exhibition spaces.